水墨画是在什么基础上发展起来的？
唐代山水画出现了青绿和水墨两种不同风格。山水画家李思训及李昭道的青绿山水画继承着展子千的传统而发展。盛唐时期山水画出现重大变革，诗人王维创水墨渲染“破墨”山水。盛唐至唐末，画家们不满足于已有的山水画表现语言，力求开拓新的艺术语言——水墨。杰出的艺术大师吴道子以墨笔挥写出疏体山水。诗人王维以“水墨渲淡”表现出“画中有诗”的辋川山水，开始出现了破墨山水。扩展资料：随后，涌现了毕宏、张璪、郑虔，至王默，创制出泼墨山水，逐步形成了水墨山水的艺术语言，确立了注重发展个性的趋向。这些大师的水墨佳作无一件存世，今可在唐代的壁画上看到民间艺术大师的水墨画风，足见这在唐代已形成了一定的时尚。水墨山水就是纯用水墨不设颜色的山水画体。相传始于唐，成于宋，盛于元，明清两代有所发展。作画讲究立意隽永，气韵生动，并形成了整套以水墨为主体的表现技法。其笔法糸以勾斫、皴擦、点染为主导，长于结构和质感的表现；其墨法糸于墨的浓淡干湿。泼破积烘为主导，有“水晕墨章”、“如兼五彩”的效果，长于体积和气韵的珍现。在理论上强调有笔有墨，笔墨结合，以求达到变化超妙的境界。参考资料来源：百度百科-水墨山水画
中国水墨画的发展史
相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。扩展资料从隋朝就开始出现山水画，山水画强调“平远”、“高远”、和“深远”，运用散点透视法，平远如同“漫步在山阴道上”，边走边看，焦点不断变化，可以画出非常长的长卷，括进江山万里；高远如同乘降落伞从山顶缓慢下降，焦点也在变化，从山顶画到山脚，可以画出立轴长卷；深远则运用远近山的形态浓淡对比，画出立体，山谷深邃的效果。从古代起，中国的山水画的特点四必须有人或建筑出现在画上，这幅画才显出生气；从唐朝开始，中国的山水画开始分为南、北两派。北派的创始人是唐代画家李思训，他发明的大斧劈皴法，画中重用色彩，浓墨点苔上也用鲜亮的石青敷色，非常适合变现北方阳光灿烂、峭壁高耸的山峰。宋代的画家张择端、李唐、马远、夏圭等继承了他的风格，形成一种派别。参考资料来源：百度百科-中国水墨画
水墨画的起源和发展
水墨画的起源和发展如下：水墨画可以追溯到公元前206年至公元220年之间的战国时代。当时，诸侯争霸战争频繁，人们生活在动荡不安的环境中。许多人寻求一种可以表达他们的情感和思想的方式。水墨画正是应运而生。水墨画的特点是使用水和墨来绘制图案。水墨画的线条通常很粗糙，表现出动态的感觉。这种画风与当时人们的生活环境相吻合。水墨画的发展历程：古代水墨画水墨画起源于中国古代，当时的水墨画以山水画为主，以宋代为鼎盛时期。唐代以来，随着中国文化的发展，水墨画逐渐从山水画走向人物画、花鸟画，并逐渐形成了独特的“中国水墨画风格”。近代水墨画水墨画在近代得到了进一步的发展，19世纪中叶，随着西方艺术的传入，水墨画也受到了一定的影响，并逐渐走向现代化。水墨画的特点水墨画的特点是以水和墨为主要工具，通过水墨的浓淡、色彩的明暗、线条的粗细、层次的叠加等手法来表现意境。水墨画风格各异，有写意风、花鸟风、山水风、蝶蛾风等。水墨画工艺复杂，分为干墨画和水墨画两大类。干墨画是将墨描在干燥的纸上，水墨画是先将水描在纸上，然后再加入墨。水墨画的画面通常比较大，干墨画的画面则比较小。
水墨画的特点和发展历史？
我国素有“书画同源”之说；不管书与画，所用的工具是相同的。行笔、运笔等技巧相同，中国书法是“以线造字”，而中国画历来是“以线造型”（以线条为主要造型手段）。尽管中国画的革新以色彩为突破口，并出现了大量的以色彩为主的现代作品，但是线条仍然起着重要的作用，传统绘画线条高超的表现技巧以及优秀的文化内涵，已经被继承下来并有所创新。
因此，研究中国画线条的历史发展轨迹，使我们对中国画线条的继承与创新有一个更清醒的认识是十分重要的。中国画线条的突出特点是富有表现性，它是至今多数国家绘画艺术中的线条所难以企及的。
善于“牵着线条去散步”的德国现代主义大师克利说：“笔迹最关键的是表现而不是工整。请考虑—下中国人的做法。”中国画线条表现性技法的成熟虽然远远早于西方，但它不是一步到位的，而是经历了漫长的发展。
不动的线到飞动的线。人类在原始社会所创造的线条，主要是直线、横线和圆线。由于使用这些线，人们就可以在画面上画出对象的结构，传达出所要传递的信息。此后随着文明的发展，人们又感到直线、横线和圆线比较呆板、僵硬和缺少动感和生命力，于是创造了一些波状的、粗细不匀的、富有张力的线条。我们从周代青铜器《饕餮簋》、汉代画像石《骑术》中可以看出，中国画线条从公元前十世纪开始就有了巨大的发展：从平实的线逐渐变为富有生命力的飞动的线条。这种变化是怎样表现出来的呢?这要从线条的位置、运动方向、张力等方面来研究。
首先，这两件作品中出现了波状线(亦称蛇形线)。这种线条的位置与方向不像直线那样固定，它好象是在摆动而且活动的方向不确定，这样在视觉上就给人以动感。其次，这两件作品中的线条不像以往直线那样平直均匀，而是有粗有细，由此可知，作者在运笔时所用的力度和速度是不均匀的。这种力度与速度的不同，就表现出线条在空间与时间上的运动， 因而给人以动感；再次，我们从饕餮头部的向相反方向夸张性运动的线条中， 从马的四条腿最大限度地向不同方向伸展的姿态中可以看出， 作者企图通过线条的巨大张力来表现饕餮、马的奋进，使青铜器、石头上的动物给人视觉上强烈的运动感。正是通过这种运动感，才使作品表现出极强的生命活力。
从轮廓线到表现结构、空间、亮度的条。有些人常用“单线平涂”来概括中国画的特点，这是不确切的。单线平涂是人类早期绘画的共同特点。自汉末后，中国画的特点就难以用单线平涂来说明了。轮廓线尉旨所画物象的周边线。它面对的是所画物象与它所处空间的关系，因此它只是把某一物象从大的背景中分离出来，而无法显现这一物象的内部结构和光分布。自从中国画家创造了独特的皴法、描法以及擦染之后，对物象内部结构与光分布的处理，就不是借助透视法、明暗法，而是以本民族独特的表现形式描绘出来。从五代时董源的《潇湘图》中，我们可以看到中国画线条的发展变化：
此画用轮廓线界定了山的空间位置和整体走势后，对山体内的各个组成部分，均以长披麻皴线条加点来表现。众多披麻皴线条与点的有序排列， 一方面刻画出山岭在一定光线照耀下的皴纹，另一方面表现出山体内各个部分的有机组合，从而有效地描绘了山体的结构。这些表现结构的皴线、点与轮廓线融合后，山的雄姿秀态就尽眼底了。
此画没有用透视法照样画出物象的空间和距离，是由于画家灵活运用了皴线和点。画面的远景部分，画家用的是较短、较小、较淡的皴线与点；近景部分，则用较长、较浓的皴点；山体背阴的部分，用较浓的短线与点；各个山头用重迭法画出，画家用这些方法表现出山体的纵深感。有人认为这种方法没有透视法科学准确。当然，按透视法画出的物象显很逼真。但是，格式塔心理学家指出：透视法的准确是建立在透视缩短与透视变形基础上的，它仅仅是在二维空间表现三维幻觉，是对眼睛的“欺骗”。因此，我们不必用透视法来苛求用皴、点与重迭法来表现物象空间距离——“深度”的中国画。
此画没有用明暗法也画出了物象的光分布。这是因为画家利用皴线有疏有密的排列与部分留自来描绘山体的明部与暗部。显然，这幅画似乎没有固定光源和合乎比例的明暗层次(亮度梯度)，但这样的作品并不像有人说的只强调线条韵律不要光，而是采用垂直光分布、正面光(正面留白)来表现光亮， 背面、侧面用密集的短皴与点来表现。这种特殊的正面光与明暗分布法，源于道家哲学“万物负阴而抱阳”的观点。董源之后，画家们又把皴与擦融为一体，进一步表现了物象的明暗层次，色彩的渲染对用皴擦表现光分布也起了辅助作用。这样在表现光的过程中，各种线条一直起着主导作用。董源作品中的线条组合，不仅表现了物象的光分布，而且表现了空气的湿度——南方群山的华滋湿润、苍茫葱郁。这是在西洋画中难以见到的。
从“存形”的线条到抒情的线条。在唐代以前，中国画以反映社会生活，描绘明君、忠臣、烈士、贞女等人物为主。在留下历史人物真容方面，绘画优于其它著作，所以陆机说：“存形莫善于画。”习附的绘画线条功能主要在服务于“存形”，即真实描绘客观对象。
自从宋元以后，中国画由以人物为主，逐步转为以山水、花鸟为主，由反映社会生活、描绘历史与现实人物为主，转向以描绘自然景物来折射社会生活，抒发画家感情为主。为了服从这一目的，画家们对线条作了大胆的革新，创造了具有独立审美价值的抒情线条。这种抒情线条与写实性线条的主要差别在以下两个方面。
第一、抒情线条特别重视线条的自身张力。所谓张力，简而言之，就是一种相反相成的力。线条张力可分组合张力与自身张力两种。顾恺之仅用横线条与倾斜卷曲的线条组合，就刻画出了人物的形貌与动态。然而他用的这种线条均匀细长，自身并无明显张力。梁楷的《六祖斫竹图》、倪云林的《紫芝山房图》、华岩的《金谷园图》等，就与顾恺之的线条不同了，其线条借鉴了书法线条的特点，自身具有明显的张力。画家在画线条时，不仅像书法家那“欲左先右”、“欲上先下”，而且要使线条有虚有实、有曲有直、有浓有淡、有轻有重、有粗有细、有断有续、有行有留等等。把以前平直、均匀、细韧的线条变得曲折顿挫、千姿百态，极富情致。画家复杂多变的情感，借助这种多姿多变的线条得到了充分的宣泄。这正是中国画线条发展到高级阶段所呈现的奥秘与难以企及之处，它是几十个画家共同创造的成果。
第二、抒情线条并不是自然状态的线条，而是有笔法的线条。中国画笔法主要是指用笔方法。它是中国画的另一个重要奥秘。中国画笔法， 除了大家熟知的不同于西洋画的执笔法之外，最值得重视的是运笔法，而且不同类型的线条有不同的运笔法。运笔法也就是笔锋接触纸面时怎样运行的方法，它有多种形式，大体上可分为空间运动形式与时间运动形式。
不同的轮廓线，不同的皴法、描法，其线条的空间与时间运动形式是不相同的。空间运动形式有几十种，主要是提按、旋转(绞转)、平动、摆动、从容流行等。时间运动形式也有多种，主要是疾迟(包括快速、中速、慢速)、行留、节奏、涩行与跳动等。中国画家自从掌握了这种笔法后，不仅能“牵着线条去散步”，而且能凭借它翱翔于艺术的王国，刻画各种物象，抒发复杂情感，表现不同个性。这种笔法正被现代画家继承、发展，具有很强的生命力。现代中国画中的线条。中国画线条经过宋、元、明、清众多画家的创造，达到新的高度。然而，艺无止境，随着时代的前进，人们审美能力的提高，中国画线条仍在发展。最近几十年，特别是最近十几年，不少现代中国画家在继承前人技法的基础上，创造了许多前无古人的新线条。
例如，李可染创造了深邃含蓄的“金错刀式”的线条；朱屺瞻创造厂老辣雄健的“铁干银钩式”的线条；刘文西创造了长于描绘北方人物古朴刚劲的线条；黄永玉创造了曲折多姿的“不连贯”线条；吴冠中创造了极富韵律美的与点分离的长线条；黄胄创造了具有力度美的近似面的宽线条；周韶华创造了线与面、线与色混融一体的具有面的效果的线条；富中奇创造了具有装饰美的表现乡土情结的线条；邱笑秋、宋雨桂等创造了以色彩笔触与水墨线条相融合的新线条等等。这些线条的创造，丰富了中国画的表现力与抒情功能。
关注绘画艺术本体中点、线、面、笔墨等抽象的艺术形式；关注绘画空间上的模糊性所引发的观众的想象与再创造。因而，中国传统绘画艺术具有象征、写意、表现的基本特征。以想象真实代替视觉真实是它有别于西方古典写实性艺术的特征，也是中国画诗意化的体现方式。在观察与表现手法上，中国画“外师造化，中得心源”(张躁语)。并不 是完全照抄模仿自然的客观物象，而是加入了创造者很强的主观色彩，即在造化自然的基础上，有所思想，有所寄意。
当前，中国画家正在越来越多地使用墨彩与色彩，全色彩“没骨画”得到了长足的发展。但是，线条并没有被削弱， 更不会消失，而是在不断创新中形成新的形态、获得新的生命力，显现出更有时代特点的东方绘画韵味。
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国画荷花颜色怎么调
步骤一：用淡墨勾勒花瓣，用笔要流畅圆润；重墨勾勒荷枝和背面叶，浓墨勾勒正面荷叶。步骤二：用酞青蓝加墨成墨蓝色渲染画面的大色调，用干净水笔吸开花瓣上的颜色和背景水面的雾气；干后用白色平涂花瓣二至三遍。步骤三：用暗黄色（藤黄+淡墨）分染荷花暗部和叶柄，分出层次；花青墨分染荷叶，留出叶脉水线，中心部分反复分染数遍，形成由内到外的深浅变化。右边的荷叶再用暗赭色由外向内分染赭色。步骤四：用头绿加头青罩染荷叶数遍，第一遍留出水线，第二遍起可盖掉水线，染色尽量不压墨线。背面叶和叶柄用三青平涂；背景用墨蓝色（头青+花青+墨）分染，干后用白云笔轻轻洗去一层浮色。步骤五：荷花暗部用暗草绿强调，再分染淡藤黄强调层次；花瓣尖端用胭脂勾勒并稍作分染；荷叶中心用酞青蓝加墨分染，边缘用三青提染；叶柄用墨青色强调暗部；背景继续用墨蓝色罩染，加强和统一色调。最后用浓白色点花蕊，落款盖章，修整完成。
国画荷花用什么颜色
问题一：国画荷花用什么颜色好些? 用牡丹红或者是藤黄加上钛白就可以和了，不过用墨画画牡丹你可以试一下，画完后立刻撒上盐，就可以画出一幅好看的雨荷了
问题二：国画荷花需要胭脂红和什么颜色 不固定用什么色，署红胭脂都可以，朱膘朱砂也有独特的效果
问题三：中国画荷花的颜色要哪几个 用牡丹红或者是藤黄加上钛白就可以和了，不过用墨画画牡丹你可以试一下，画完后立刻撒上盐，就可以画出一幅好看的雨荷了
问题四：国画荷花图的颜色 荷花，又称莲花、藕花、水芙蓉、芙蕖等。荷花为多年生水植物。其根茎为藕，可食用。荷叶大而圆，翠绿如盖。夏日开花，夏秋交际时盛开。花有红、白二色，亭亭玉立，香远溢清，常被誉之为“翠盖佳人”、“花中君子”。
画叶：荷叶姿态优美，随风摆动。作画时应把握正叶、侧叶、翻叶、卷叶、垂叶等各种形态表现。大笔画叶，注意墨色浓淡干湿变化。有破墨法，即浓破淡，淡破浓法。水线分三级，先内后外。
卷叶为荷叶未完全开放时的叶形。这类叶形有一部分展开，还有一部分还卷曲成筒形。画上几片这种叶形，使之有变化，会给画面增加情趣。
荷茎（梗）为中空管状物，周生细毛刺。可用中浓墨一笔写就，不可复笔。
荷花的花朵较大，花瓣上浓下淡，其色嫩润典雅，又艳丽可人。画白色荷花可用双勾法。
荷花谢后，其莲蓬开始长大，绿色。可画为点缀。
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怎样画牵牛花?
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牵牛花是属于旋花科，一年生缠绕草本，全株长有粗硬毛或柔毛。 叶宽呈卵形， 常作三裂状。夏季开花，花冠漏斗形，花色有红、白、蓝、紫等多色，每一朵花只有一天的寿命。
画牵牛花的叶，三笔一叶，然后趁湿勾叶筋。叶有浓淡疏密变化。
画牵牛花的藤，有主、次、附藤之分。
画牵牛花先画花头，然后点花蕾，接下来点花托。最后画茎于藤上。
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问题五：画国画荷花怎么韵染？步骤是什么，用哪种颜色的颜料 你的画是工笔画还是写意画，不同的用纸染色的方法不同，写意画如果是粉色的用淡朱砂
问题六：画国画，有颜色的荷花的具体画法 你好！我是在生宣上画的，熟宣适合画工笔荷花。首先毛笔上蘸淡墨笔尖蘸一点浓墨勾出花瓣，一般的都画白荷和粉荷。白荷染色时用藤黄加一点点花青，粉荷多用曙红，先调出浓淡，没有把握可在其他纸上试一下。两种荷画上色的时候都是花瓣的尖色最深。莲蓬周围淡一些。莲蓬用藤黄，少许三绿，花青。在用笔上没有什么限制，一定要灵活，水分不能太大，你要多画就可以掌握水分究竟多少合适。荷花的花瓣不能太对称，不论勾花瓣还是上色都不能太死，要有浓淡，虚实的变化。如果是初学可以临摹一些好的作品，自己一定要动手去画去领悟，相信你一定能画好荷花的。
问题七：国画荷花花径的颜色 要看你画什么颜色的，墨色就用墨，其他颜色根据需要添加，一般就是藤黄华青三绿这些
问题八：国画白荷花配兰色叶子它的背景用什么颜色最好 婚礼仪式不是你憋足年劲甩出的面子，更不是家底积累的PK。如今简约低碳才更是甜蜜文明的附件值；
问题九：莲花的颜色用哪几个国画颜料调的出来 国画荷花着色,可先用淡红根据花线偏外勾染一下,再用较深曙红染花瓣,荷花色可用多种方法,在这基础上可用深红勾花瓣上的筋,可用深红全染后金线勾(称金碧荷花)可用淡青勾染花外边(白荷感觉)也可用色只点染局部花瓣,根据喜爱和格调处理。
问题十：国画荷花图片
文同《墨竹图》
《墨竹图》是北宋画家文同创作的一幅绢本墨笔画，现收藏于台北故宫博物院。
此图以倒垂竹枝为主体，竹叶和竹枝从左上方垂下，出枝微曲取横空之势，着叶不多，但疏密有致，其茎多新枝，竿、节、枝、叶均以水墨单色一笔画出，生趣蓬勃。在宋代文人眼中，竹可以言志，更可以寄情，由此可见文同创作这幅画的目的是宣泄情感和抒发胸怀。
上方有明代王直、陈循德两人题诗。
王直题诗：
与可自昔守洋州，墨竹高风称第一。流传三百有余载，复见兹图更超逸。想当盘礴欲画时，胸藏千亩谁得知。忽如兔起鹰隼落，奇态横出何猗猗。仙人骑凤彩云里，不见其身见其尾。佪翔千仞欲下来，岁岁余音满人耳。世间物性各不同，贞脆好丑随化工。唯有此君最幽淡，不与桃李争春红。由来美人姿，不及君子德。至今淇奥篇，还歌绿如箦。杨君得此求我诗，我今已老才力衰。愿君努力慎爱昔，睿圣卫武诚当师。[4]
陈循德题诗：
壁上墨君不解语，高节万仞陵首阳。要看凛凛霜前意，冷淡为欢意自长。写真谁是文夫子，许我他年作主无。遥想纳凉清夜永，平安时报故人书。谁画参天铁石柯，凤毛春暖锦婆娑。玉堂妙笔交游尽，六合无尘水绝波。老可当年每画之，满堂宾客动秋思。苍龙过雨影在壁，别出参差玉一枝。谁是丹青三昧手，晴窗试写翠琅玕。尚书雅有冰霜操，一枕清风五月寒。我亦有亭深竹里，一枝寒玉淡清晖。道逢黄发惊相问，不改清阴待我归。
陈循德题跋：“彦谧尚书得此竹求余题，余无以为言也。为取宋元苏虞赵三学士诗中句，各为二绝复之，又何必余言哉。庐陵陈循德遵志。”
文同墨竹图整体评价
您好，《文同墨竹图》是一幅非常出色的作品。画中的墨竹栩栩如生，树干笔直挺拔，笔触流畅自然，展现了艺术家深厚的绘画功底和独特的艺术风格。【摘要】文同墨竹图整体评价【提问】您好，《文同墨竹图》是一幅非常出色的作品。画中的墨竹栩栩如生，树干笔直挺拔，笔触流畅自然，展现了艺术家深厚的绘画功底和独特的艺术风格。【回答】您好，整幅画布以简约的构图和纯净的墨色展现出静谧与内敛，给人以平和宁静的感受。【回答】您好，这幅作品通过墨竹的形象，传达了一种坚韧不拔、潜移默化的力量，给人以启迪和思考。整体而言，这幅作品技艺高超，意境深远，给人留下深刻的印象。【回答】苦笋帖作品内容作品背景艺术特色整体评价【提问】您好，《苦笋帖》是一幅展示苦笋的作品，背景是田园风景或山水景色。艺术特色在于精细描绘了苦笋的细节，用色简洁明快，传递出自然清新的气息。【回答】您好，整体评价是一幅技巧娴熟、形象生动的作品，通过对苦笋的描绘，展现了大自然的美妙和生命的力量。【回答】【提问】作品内容作品背景艺术特色整体评价【提问】您好，这幅作品以一系列老旧的字为主体，展示了不同时期的碑文和铭记。作品中出现了多个时代的碑文，包括战国时期的石鼓文、东汉的张迁碑和唐代的心颜勤礼碑。这些碑文代表了不同时期的价值观和文化传承。【回答】您好，作品背景是一个展示历史文物的场景，或者是在强调文字和碑文的重要性。艺术特色在于以简洁的方式呈现了这些碑文，通过字体和排列的巧妙组合，给人一种古朴而庄重的感觉。【回答】您好，整体评价是一幅富有历史意义和文化内涵的作品。通过展示不同时期的碑文，它传达了对历史和文化传承的尊重。同时，它也激发了人们对文字和碑文的思考和探索。【回答】艺术特色【提问】您好，这幅作品的艺术特色在于它通过简洁的字体和排列方式，将不同时期的碑文巧妙地呈现出来。这种简洁而古朴的风格给人一种庄重而典雅的感觉，同时也突出了碑文的重要性和历史意义。【回答】祭侄文稿作品内容作品背景艺术特色整体评价【提问】敦煌莫高窟第45窟作品内容作品背景整体评价艺术特色【提问】您好，敦煌莫高窟第四十五窟是敦煌莫高窟中的一处洞窟，保存有丰富的壁画和雕塑作品。作品内容多以佛教主题为主，包括佛陀形象、佛教故事和佛教文化元素。【回答】您好，作品背景是唐代盛世时期，敦煌作为丝绸之路的重要节点，吸引了来自不同地区和文化背景的艺术家和修士。【回答】您好，整体评价是这些壁画和雕塑作品体现了唐代佛教艺术的独特魅力，具有极高的艺术价值和历史价值。【回答】您好，艺术特色在于细致、精湛的绘画技巧，充满浓郁的唐代风格，同时结合了中亚、印度等地的艺术元素，展示了多元文化的融合。【回答】
把电视墙做成水墨画的效果，搭配什么样的沙发显得很有格调？
电视墙做成水墨画的效果，给人的感觉比便会是一种很中国风的直视感。在这种情况下我们最优的选择是选择与之配套的中国风家居。但是沙发这种东西若是和中国风搭配在一起，总会显得不伦不类。因此对于沙发的选择上面，我们要偏向于一些更合适的欧美风格。首先推荐的便是黑白灰色调的沙发，其中以欧式设计的白色真皮沙发最能够与之搭配。但是这种搭配存在的一个明显的问题便在于往往会显得过于俗气，现在大多数家庭大多选择这种搭配，并不能够显示出主人家的独特品味。这个时候我们就可以考虑一下冰岛的性冷淡风格。这个风格并不是说发源于冰岛，只是在风格上和冰岛这个国家给人的感觉相似。性冷淡风格主要是选择一些冷色调作为家具颜色的选择指标。对于沙发来说，米白色，或者是深灰色都可以很好地搭配水墨画的电视墙。除了颜色上面的选择，我们还需要在沙发的样式上有所考虑。我们优先选择的版式应该是简约风格的沙发，这样的沙发好处在于百搭，并且和水墨画的氛围比较配。因为水墨画本身就是讲究一个诗情画意，自发源以来，水墨画就以简约而闻名。除了上述的两个方面，还有一点便在于整个客厅的风格设定上面了。沙发的选择不仅要和水墨画能够匹配，并且作为客厅的一个主体家具，更要有着和整体环境协调的性能。
word文档怎么制作出精美背景？不知道这个美好的背景是怎么做出来的？
word文档中图片做背景，需要在背景选项中设置。具体操作如下： 1、选择菜单栏格式——背景——填充效果。如图示。 2、填充效果——图片——选择图片——选择图片文件夹路径，选中图片，点击插入。 3、如图示，该图片已作为背景填充到word文档中。 由于图片本身有纵横比例，在选择作为word文档背景同时要考虑图片的比例大小是否合适，需要的话可以适当根据文档把图片稍作修整。使得达到文字配图较美观的效果。
如何用ps制作水墨画
方法/步骤首先我们打开一张荷花素材，并复制图层。然后选择图像——调整——去色，去除图片颜色。接着选择图像——调整——色阶，设置输出值为：15，2.5，200，增加黑白对比执行图像——调整——反向，然后在执行滤镜——模糊——高斯模糊，设置模糊半径为5执行滤镜—画笔描边—喷溅，设置半径3，平滑度5新建图层，设置图层混合模式为颜色，用粉红色的画笔给荷花涂上颜色。花多看起来是不是很暗没有层次感，那么我们选择背景副本层，将图层混合模式设置为变亮，让背景层的荷花层次感突出来。盖印可见图层，找一张毛笔字的素材作为修饰。到这里，我们的水墨画就制作完成了，感谢大家的浏览
如何用PS做出水墨画的效果
看看这个吧，也许对你有帮助。Photoshop处理荷花照片为水墨画特效Photoshop 水墨画技法Photoshop淡彩水墨画Photoshop快速打造雪景水墨画Photoshop绘制中国古韵水墨画用Photoshop“画”一幅淡彩水墨画用Photoshop画水墨画打开图片，复制背景图层。 去色并调整色阶以增加黑白对比。 反相后执行高斯模糊，再执行滤镜—画笔描边—喷溅。 新建图层，设置图层混合模式为颜色，用彩色的画笔给彩色的地方涂上颜色。然后进行径向模糊，选择完好。再用动感模糊，用85%最后盖章，可现画或用图章工具如果还不懂，可把图片发给我，我来帮你做。1、打开图片，复制背景图层。2、去色并调整色阶以增加黑白对比。3、反相后执行高斯模糊，再执行滤镜—画笔描边—喷溅。4、新建图层，设置图层混合模式为颜色，用彩色的画笔给彩色的地方涂上颜色。5、再随意加点文字，加盖印章，完成。我对画笔不是很有研究 如果我柔化边缘 要么用内发光或外发光要么复制一个图层—— 高斯模糊——调整图层顺序—— 添加蒙板——用比较柔和的
